Amig@s, por causas ajenas a mi voluntad, o sea, falta de tiempo, me temo que he de pausar el bloc temporalmente. Me sabe fatal... con lo que me gusta enrollarme por escrito sobre cosas que me gustan, y sobre mis pensamientos acerca de Monica, jaja! Pero, bueno, tengo toda la intención de retomarlo en un futuro próximo. La página de facebook sobre Monica Vitti y otros referentes inolvidables, por supuesto, va a seguir activísima, como hasta ahora. Os invito a que os paséis; encontraréis el link en la parte superior de la pantalla.
Es de sobras conocido por todos vosotr@s que Monica Vitti destacó por su versatilidad en el arte de la interpretación. No sólo era actriz tanto de teatro como de cine, sino que fue muy valorada su capacidad de actúar en comedias y en dramas, indistintamente. La verdad es que, hasta que empecé a dedicarle tiempo a leer y aprender sobre Monica, no había pensado en ello, pero es verdad que los actores y actrices se suelen decantar o bien por papeles cómicos, o bien por papeles dramáticos.
Por lo que leo en los foros de opinión disponibles para los fans de Monica Vitti en la red, su público tiene opiniones muy precisas sobre si prefieren sus dotes dramáticas o cómicas, y también sobre los motivos de su predilección. Yo, en este caso, no creo poder dar una opinión lo suficientemente fundamentada porque sólo he tenido ocasión de ver una comedia suya entera. El motivo es que sus comedias son difíciles de encontrar subtituladas al español y yo, por desgracia, no hablo italiano. En cambio sí que he visto la "tetralogía de la incomunicablidad" de Antonioni, por ejemplo, que sí que es fácil de conseguir con los consiguientes subtítulos. Así que, desde aquí, pido por favor que vuelvan a relanzar las comedias de Monica Vitti al mercado hispanohablante. Como ya dije en una ocasión, creo que sus admiradores/-as que no somos italian@s, y que somos de generaciones posteriores al "boom" de la comedia italiana ("boom" que, por supuesto llegó a España en su momento), también deberíamos tener derecho a ver las películas en cuestión.
Dicho esto, a mí tanto debate de sus admiradores al respecto me hizo entrar el gusanillo de saber lo que opinaba Monica misma. (Ya lo sé, yo siempre tan "voyeur"... o, vale, tan cotilla). Total, que mira tú por donde, Monica habla sobre ello en una entrevista que tengo aquí en casa. ¡Qué suerte! Así pues, sin más dilación, he aquí lo que dice ella misma sobre el tema en este extracto de una entrevista publicada en "La Vanguardia" el 4 de noviembre (¡anda, el día después de su cumpleaños!) de 1991:
"P: Buenos días. ¿Se considera más una actriz cómica o una actriz dramática?
MV: Las dos cosas. Las dos cosas porque yo he tenido esta gran suerte en mi vida de empezar en la Academia Nacional de Arte Dramático e inmediatamente después he empezado con los clásicos griegos; después con Machiavello, con Brecht y con Miller y Chejov. Pero simultáneamente interpretaba también papeles cómicos en otras obras, con los que tuve un gran éxito. Y esta doble posibilidad de interpretar obras dramáticas y clásicas y, a la vez, obras cómicas, ha sido para mí una gran suerte. Porque es realmente como tener dos vías de idéntico valor. Y lo mismo me ha ocurrido en el cine. He hecho con Antonioni "La Aventura", "La noche", "El eclipse", "Desierto rojo" y "El misterio de Oberwald", que son todas películas dramáticas. Y casi simultáneamente ya interpretaba películas con Alberto Sordi, que eran muy cómicas. Depués he hecho "La ragazza con pistola", de Monicelli, que fue una bellísima comedia que usted recordará y que ha ganado muchos festivales.
P: ¿Pero existe un tipo de papel cómico o dramático que le sea más cómodo?
MV: No. Para mí son exactamente iguales. Porque mi propia personalidad es un poco así. Soy una persona que durante el día pasa de momentos dramáticos y desesperados a momentos de gran alegría en los que hago reír a todos mis amigos. Mi personalidad es así..."
Monica, compañera, cómo te entiendo. No en vano, una de mis citas literarias favoritas es la siguiente frase de Alberto Moravia: "Las contradicciones constituyen el fondo móvil e imprevisible del alma humana."
En fin, ya lo véis, Monica no prefiere un tipo de roles sobre otros. ¿Interesante, verdad? Os dejo con un par de imágenes que ilustran el talento cómico-dramático, o dramático-cómico, como prefiráis, de Monica:
Monica interpreta a Giuliana, desgarrada por la depresión,
en Il Deserto Rosso de Michelangelo Antonioni, 1964.
Monica es La Ragazza con la pistola que da título a la película homónima de Mario Monicelli, la primera comedia italiana protagonizada por una mujer. Corría el año 1968.
Sólo informaros de que me voy de vacaciones y, como soy una anticuada, lo hago sin ordenador. Desde luego, yo no viajaré con un "look" tan glamouroso como Monica Vitti, a la que podéis ver aquí con Michelangelo Antonioni en un aeropuerto a principios de los '60, en una de las pocas ocasiones en que Monica debió coger un avión, ya que es bien sabido que les tenía pánico. No sé si se iban o ya volvían, pero estaban bien contentos.
Nos tomamos pues una pequeña pausa de unos días y espero volveros a ver a la vuelta con más, claro está, sobre Monica Vitti y demás referentes que nos saludan de vez en cuando...
No me queda más que desearos a todos una muy feliz Semana Santa. ¡Hasta pronto!
PS: Para aquellos que no seáis miembros de la página de facebook que complementa este blog (ver link de la misma más arriba), aquí os dejo una foto de Monica Vitti con sus libros. Recordaréis que en la entrada titulada "CURIOSIDAD: Monica Vitti y la lectura" os comenté que llevaba mucho tiempo buscándola... ¡al fin la encontré!
Hace poco me confeccionaron un dossier de entrevistas de Monica Vitti, artículos que aparecieron hace años en la prensa española. Como os podéis imaginar, lo tengo guardado como oro en paño en mi estantería, al lado de mis libros monográficos sobre Monica, y me lo pienso leer de pé a pá durante estas vacaciones que ya casi tenemos aquí. Pero, siendo impaciente como soy cuando algo o alguien me gusta y/o interesa mucho, pues les voy echando ojeadas "clandestinas" a las susodichas entrevistas. ¡Si es que no lo puedo evitar! Están en español y por primera vez puedo entender a Monica bien, de verdad, al cien por cien. Y, encima, las lecturas parciales que estoy haciendo me confirman lo que pensaba, que es una mujer fuerte, consecuente e inteligente. Vaya, que me reafirmo en que es y seguirá siendo un referente inolvidable.
En fin, cualquiera que se haya interesado mínimamente por Monica, ya no como actriz sino como mujer, sabe que no fue madre. Los periodistas de la prensa y demás medios de comunicación, con el sesgo claramente patriarcal que imbuía su época, no dejaron nunca de preguntarle a la actriz porqué no se casaba y porqué no tenía hijos... ¡Qué falta de respeto! Os digo de verdad que es un tema que me revienta...
Bien, hoy os quiero reproducir aquí unas declaraciones que hizo Monica en 1991 acerca del tema de la maternidad. Me produce cierto pudor hacerlo pero, como ella misma habló del tema a la prensa, no siento que esté vulnerando su intimidad. Monica dice así:
"Sólo en una ocasión, [confiesa la actriz], tuve el deseo de adoptar a una niña huérfana por la que sentía un gran afecto. Fui incluso al juez para preguntarle qué podía hacer. Recuerdo todavía su respuesta: '¿Piensa que podría confiar una niña a una mujer como usted, que no tiene marido, que trabaja como actriz y que es tan rubia?' Desde entonces - [concluye irónicamente]- visto el persistir en mí de estos tres elementos negativos he renunciado incluso a esa posibilidad."
(La Vanguardia, 17 de enero de 1991).
Se me ocurren comentarios cínicos del tipo: señor juez, ¿haría renunciar a todos los escandinavos rubios a su paternidad?; ¿Debería, por ejemplo, Sofia Loren, por citar a una actriz de la misma generación que Monica, renunciar a sus hijos? Pero, lo que prima en mí es la indignación. O sea, según este supuesto representante de la ley, fue preferible que esta muchacha siguiera huérfana, a que la criara Monica que la quería. Señor juez, si sigue vivo para leerme y, si es así, ¡cómo espero que me lea!, quiero decirle que es usted un carca, un descerebrado y un immoral.
Dicho esto, sólo me queda compartir con vosotros la reflexión que me hago sobre lo importante que es recordar cómo fueron las cosas hace nada, y de lo crucial que es para todos nosotros seguir luchando día a día por mantener las libertades que generaciones anteriores se tuvieron que ganar a pulso, dejándose la piel, y viviendo incontables humillaciones.
Monica Vitti a principios de los años 90
PS: Monica, yo estoy segura de que hubieras sido una madre estupenda, te lo digo de corazón.
Hace días que pienso en cómo enfocar la entrada de hoy sobre Deserto Rosso, película de Michelangelo Antonioni protagonizada por Monica Vitti en el papel de Giuliana, una ama de casa burguesa que, a mi juicio, padece una crisis existencial que se torna insalvable. De hecho, la elección de esta película no ha sido mía. Les pedí a los seguidores de mi página de facebook, por la cual os invito a pasaros (ver enlace en la parte superior del blog), que votaran entre las cuatro películas que forman la famosa "tetralogía de la incomunicabilidad" de Antonioni - aunque deberían llamarse del tándem Antonioni-Vitti porque ella colaboró estrechamente en todas - para elegir cuál preferían que se tratara en el blog, y ésta fue la más votada.
Os confieso sin tapujos que, de entre las cuatro candidatas, ésta es la única que no me apetece en absoluto volver a ver. No me malinterpretéis, no es que no me gustara; al contrario, me impactó tantísimo el sinsabor, en su sentido más literal, de la experiencia vital de Giuliana, que creo que no quiero volver a someterme al vacío que me produce empatizar con ella durante las cerca de dos horas que dura el film. Y es que también os manifiesto, claramente, que dudo que ninguna otra actriz hubiera podido transmitir mejor la angustia interna que producen los brotes depresivos, así como sus síntomas externos. Monica sabe expresar la infelicidad, la angustia, el nerviosismo, la desilusión, el cansancio (literal y metafórico), el rechazo que parece percibirse por parte de los demás... en suma, la sensación de incomunicación con uno mismo, con los demás y con la vida, que produce esta enfermedad, de una forma tan convincente que, de veras, pienso que la película no hubiera sido lo que es sin su participación. Mirad tan sólo esta muestra de su magistral actuación; se trata de la escena dónde dice la famosa frase "me duele el pelo":
Verdaderamente, si Antonioni pretendía hablar de la incomunicación, de la alienación más radical, no podía escoger mejor argumento para su película que el de una mujer depresiva en un momento histórico en el que no se podía entender porqué una ama de casa, con esposo e hijo, bien posicionada social y económicamente, se podía sentir frustrada. Antonioni no es el único que habla sobre este tema a principios de los '60. Pensemos en la poesía confesional de la poeta estadounidense Anne Sexton, por ejemplo, que empieza un poema ("Consorting with Angels") diciéndonos que está cansada de ser una mujer, y de estar, por consiguiente, condenada a habitar la esfera doméstica, a resultar atractiva para los hombres únicamente por su aspecto físico, a ser la carcasa de una cabeza hueca. La poeta, que se suicidó a los 47 años de edad, también padeció una depresión ocasionada, en parte, por su incapacidad para acoplarse al rol de "mujer "que su sociedad esperaba de ella y, es bien sabido, que si consiguió vivir los años que vivió fue porque encontró en la escritura una manera de expresar su punto de vista sobre la vida que le había tocado vivir. Este trozo de documental sobre Sexton me parece ilustrativo sobre su obra, ya que nos abre una ventana a la persona que hubo detrás de la escritora:
Giuliana, que al empezar la película ya ha intentado suicidarse y ha sido ingresada en un hospital durante un tiempo (como lo fue, por cierto, Sexton repetidamente después de diversos intentos de suicidio), también sufre por su incapacidad para ser una mujer de su época, con todas las renuncias emocionales, sexuales e intelectuales que ello implicaba en su momento. Sin embargo, su tragedia estriba en que no encuentra ningún medio de expresión que le permita sobrevivir, ni ninguna salida a un laberinto emocional que se va tornando cada vez más angustiante. En efecto, Giuliana es un perfecto ejemplo de las heroínas de Antonioni, que según leí una vez, buscan desesperadamente el amor, pero sólo encuentran sexo. Giuliana, que cree haber encontrado un alma gemela en Corrado (Richard Harris), empleado de su marido, sólo consigue añadir la infidelidad sexual a la larga lista de tribulaciones mentales que padece al estar sumida en un matrimonio que parece estar destruyendo literalmente su energía vital. De hecho, es una relación en la que sus necesidades y sus deseos parecen no existir. Paralelamente, en el contexto exterior, la industria va ganando terreno a la naturaleza, el hombre va aniquilando el medio ambiente que precisa para poder sobrevivir.
Os podéis imaginar cómo me conmovió, pues, leer unas declaraciones de Monica en las que decía que Deserto Rosso es, de entre todas sus películas, la que para ella está más cercana a su realidad, ya que en este film ve reflejada su vida; es decir, no se ve a si misma tan sólo como actriz, sino también como mujer. Desde luego, estas aseveraciones encajan con lo poco que se sabe de su vida que, como ya comenté en una entrada anterior, estuvo muy marcada en su juventud por la rebelión contras las expectativas sociales y familiares. Sin embargo, me supo especialmente mal leer que la película está basada en una crisis depresiva que sufrió la propia Monica. De ahí mi sorpresa al leer en el espléndido estudio sobre Michelangelo Antonioni que firma Domènec Font que el director dijo sobre Deserto Rosso, León de Oro a la mejor película en el Festival de Venecia de 1964, que fue "el film menos autobiográfico de mi carrera", declaración de la cuál se desprende que Antonioni no se sentía reflejado en la película de la misma manera que su compañera sentimental. Esta imagen, tomada en un descanso de la filmación, parece representar esta situación a la perfección:
Sea como fuere, la celebración del uso del color que hace Antonioni en el primer film en el que abandona el blanco y negro, es una constante en los escritos sobre la película. Según tengo entendido, Deserto Rosso se sigue considerando un referente en cuanto al uso del color en el cine. Y no es para menos, la verdad, porque Antonioni se propuso que viéramos la realidad a través de los ojos de Giuliana, y las distorsiones que ésta proyecta en la realidad resultan en unos paisajes brumosos, grises, aderezados con unos toques de color un tanto angustiantes. En estas imágenes se puede apreciar la proyección del estado anímico de Giuliana en el paisaje y su entorno. Me impactó especialmente en su momento la escena en que, cuando Giuliana mira unas manzanas, éstas han perdido la vida, se han tornado grises:
De hecho, Antonioni explica que para conseguir estos efectos, tuvo que transformar, literalmente, "el rostro de la realidad". Por ejemplo, para mostrar esta particular visión del tedio que sufre Giuliana, "había pintado un bosque entero de gris para hacer que se pareciera al cemento, [pero] llovió y el color desapareció." Parece ser que en esta representación visual claramente modernista de la vida de la protagonista, que se centra en la experiencia subjetiva, tal y como se vive, y no en los hechos acontecidos, narrados desde una pretendida objetividad, también influyó la marcada predilección que sentía Antonioni por la obra de Henri Matisse,que muestra, según nos explica Font, "una contradictoria atracción entre el realismo y la subjetividad."
Desde luego, lo que, en mi opinión, sí consigue Antonioni, en Deserto Rosso, tanto gracias a una composición de imágenes visualmente impactantes, como al uso de una música perturbadora y alienante, que los críticos curiosamente no suelen mencionar, es sumirnos en una realidad onírica que nos transporta a la psique de Giuliana. Os recomiendo a todos/-as que, si no lo habéis hecho ya, miréis la película. Tal vez, después de escribir esta entrada, hasta yo misma me anime a volvera verla.
Queridos lectores/-as de este blog, que me consta que los hay y, por cierto, os estoy muy agradecida:
Esta semana he de confesaros lo inconfesable, escribir lo que jamás pensé que escribiría, y es que ya sabéis cómo adoro a Monica Vitti en todas sus facetas. También es de sobra conocido por todos vosotros que para mí es una de las mujeres más guapas que han existido nunca. Por eso, me cuesta dejar constancia de la siguiente opinión... En fin, ahí va: no me gusta cómo le queda a Monica el pelo rizado. ¡Pero nada, eh!
Bueno, ya está, ya lo he dicho. ¡Qué agonía! Pero, es que, de verdad, no entiendo porque se empecinaron en diversas ocasiones, la mayoría de ellas en "gags" cómicos, pero también en alguna película dramática, como La Tosca o El misterio de Oberwald (que, siendo de Michelangelo Antonioni, seguro que de alegre tiene poco), en recogerle el pelo a Monica creando una suerte de cascada, no ya de rizos, sino de tirabuzones a lo Shirley Temple en sus tiempos mozos, que la pobre está para matarla. La salva que es guapísima, pero no sé cómo no se quejó. ¡Mirad, mirad!:
Como véis, en las primeras tres fotos, tira que te va por aquello de que lleva el flequillo liso, pero en la última imagen, ¡por favor!, no tengo palabras... Suerte que, normalmente, imperaba la razón, y Monica llevaba el pelo liso, o moldeable, come es el suyo natural.
En suma, hoy amigos/-as de este blog, os pido vuestra opinión: con el corazón en la mano, ¿os gusta cómo le queda el pelo rizado a Monica Vitti?
PS: Monica si algún día me lees, o me lee alguien cercano a ti, perdonadme. ¡Ya sabes cuánto te quiero!, pero no te dejes rizar nunca más el pelo, por favor.
¡Menuda sorpresa me llevé yo cuando descubrí este "gag" cómico de nuestra Monica con Mina y Raffaella Carrà! Y es que tanto Mina como Raffaella fueron una presencia importante en mi infancia, durante los primeros años '80, y lo último que me esperaba yo es verlas actúando con Monica Vitti en el año '74. (Por cierto, aquí Monica tenía 43 años: ¡hay que ver cómo se conservaba! Tanto Mina como Raffaella son mucho más jóvenes y en el clip no lo parece en absoluto.) No os perdáis el número de baño en seco, con escena de Monica nadando en el suelo incluida: ¡desternillante!
Para mí, Mina siempre había sido una diva, una mujer fuerte, eternamente despechada, que cantaba su desamor en canciones melódicas, de corte algo feminista. Siempre, hasta este verano cuando fui a La Feltrinelli de Roma, que para quien no haya estado nunca es como una especie de FNAC italiano, y compré este recopilatorio de las primeras canciones de la cantante:
Desde entonces, este CD se ha convertido en un "hit parade" en mi casa que ni os cuento. Vamos, os puedo cantar todas las canciones de memoria, ¡y eso que no sé italiano! Me sorprendió que fuera un recopilatorio de canciones muy alegres, al estilo que yo llamaría guatequero de los '60. Os adjunto un vídeo de Mina cantando una de las canciones del disco: "Tintarella di Luna".
Sin embargo, para mí Mina siempre estará cantando "Parole", como lo hacía desde el tocadiscos de casa cada noche cuando yo tenía unos siete años:
Y, en cuanto a Raffaella Carrà, ¿qué decir de su presencia en España durante los años '80? Yo la recuerdo actúando en la televisión continuamente, con aquellos movimientos de cabeza algo compulsivos que a mí de pequeña me dejaban completamente anonadada... Cuántas canciones recuerdo, todas ellas alegres, desenfadadas y, ahora que lo pienso, algo picantes... Porque "Hay que venir al Sur" casi que merece los dos rombos que se ponían en la época en el margen superior izquierdo de la pantalla de TV para indicar que los programas en cuestión no eran aptos para menores. Anda, que nos tenían a los niños amargados de tanto tener que escondernos detrás del sofá para ver imágenes prohibidas. ¡Cómo cambian los tiempos, madre mía! Bien, aquí os dejo el vídeo de la canción que no tiene desperdicio. Os recomiendo que os fijéis en dos cosas: primero, la coreografía de los bailarines que acompañan a Raffaella, que no os la comento con palabras porque me dejan sin habla, literalmente; segundo, la escena en la que la cabeza de la protagonista se bambolea de un lado a otro de la pantalla. ¡Dios mío!, ahora que soy mayor no puedo dejar de admirar la elasticidad de esta mujer y, sobre todo, envidiar lo poco que sufre de problemas de cervicales...
No quiero cerrar esta entrada sin tener un recuerdo para la presencia de Raffaella en la parrilla televisiva española con programas como el célebre "Hola, Raffaella": ¿lo recordáis? Aquí tenéis unos extractos del programa en su etapa de los años '90 (aquí yo ya estaba más crecidita), aunque hubo otro programa suyo anterior, del cual no recuerdo el nombre, pero sí la sensación de haberlo visto. En fin, sólo comentaros que estos trozos de "Hola, Raffaella" son tronchantes, y que ella me parece simpatiquísima, como la mayoría de italianos. Me ha encantado darme este paseo por la memoria y revisitarla.
Esta semana se han conjuntado los astros para que yo descubra, o mejor dicho, me instruya acerca de la figura y la obra de Pier Paolo Pasolini. Si os he de ser sincera, descubrí a este cineasta y escritor viendo una de sus películas a palo seco, sin saber nada de él ni de su contexto. El film en cuestión era Salò o los 120 días de Sodoma (1975), película que siempre había querido mirar y a la que me acerqué por simple curiosidad, sin conocimiento de causa. Ahora sé que esta alegoría sobre el fascismo, centrada en la explotación sexual y el maltrato persistente infligido por un pequeño puñado de burgueses sin escrúpulos a un grupo de jóvenes pobres, escogidos al azar, constituye el testamento fílmico de Pasolini. Sin embargo, en el momento en que yo vi la película, hará unos tres años, vivía totalmente ajena al universo pasoliniano, y la película constituyó para mí una revelación en sí misma tanto por la crudeza con la que retrata el absurdo de la opresión, como por su representación, nítida y sin concesiones, de un micromundo perverso y perturbado. No creo ser ni mucho menos única si afirmo que hay escenas de esa película que se me han quedado gravadas de forma indeleble en la memoria. He aquí un fragmento de la misma que nos da una idea del ambiente que rezuma todo el film:
Bien, aunque la película me gustó muchísimo, en aquel momento no indagué más sobre la obra de Pasolini y mi reencuentro con él no se produjo hasta el verano pasado, momento en que la tienda Discos Castellò de mi ciudad estaba empezando a vender DVDs clásicos a precio de saldo, ocasión que aproveché para agenciarme diversas películas, entre ellas El evangelio según San Mateo (1963). Pese a mi mirada de espectadora "amateur", pude observar en este film una poética de las imágenes decididamente personal, un lenguaje visual distinto, diferenciado, supongo que Pasoliniano, aunque no sé lo suficiente sobre su obra para hacer tal aseveración. En todo caso, sí distinguí en Pasolini lo que yo denominaría, con el sesgo propio de mi formación filológica, una voz propia. Como muestra de lo que quiero decir, os invito a observar esta secuencia:
Sin embargo, Pasolini me empezó a seducir el día que, felizmente, se me ocurrió ir a ver La Notte Brava, película filmada en el año 1959 no por nuestro protagonista de hoy, sino por Mauro Bolognini. La proyección tuvo lugar dentro de un ciclo que se dedicaba a explorar la relación entre obras literarias y sus adaptaciones fílmicas: La Notte Brava, adaptación de Chavales del Arroyo (Ragazzi di Vita), primera novela de Pasolini publicada en el año 1955, me robó el corazón en su última secuencia, cuando uno de los personajes principales, un joven extremadamente pobre que malvive en la calle robando, tira el dinero que le sobra (después de una noche de juerga pagada a costa de un hurto) a un vertedero, como si fuera basura insignificante que ya no le sirve para nada. Mirad:
¡Qué cuestionamiento del valor del dinero tan valiente y tan necesario! Como os podéis imaginar, no he podido evitar volar a comprarme el libro y lo estoy leyendo con fruición, aunque la introducción a la novela de Miguel Ángel Cuevas deja, desde mi punto de vista, bastante que desear por su tono poco esclarecedor y pedante. Cuando llegas al texto de Pasolini, sin embargo, te ves recompensada por haber sido una lectora tenaz y haber persistido. La novela trata sobre la vida de unos muchachos que llevan una vida marginal en los suburbios más pobres de Roma al principio de la posguerra; la crudeza con la que habla de los efectos deshumanizadores de la pobreza es, cuanto menos, impactante. Vaya, que de momento me está pareciendo una delicia absoluta y os lo recomiendo fervientemente:
En fin, que ya tenía yo reservado el sábado por la tarde para ver en casa Mamma Roma (1962) cuando me llega una invitación a asistir a un coloquio sobre Pasolini este viernes... ¡de ahí el principio de la entrada de hoy! Os adjunto la información por si a alguien le apetece asistir:
Y es que todo parece coincidir para que yo escuche la voz de este hombre que, ciertamente, me interesa mucho por su marginalidad, por dar voz a discursos tanto políticos como sexuales que, en su momento, eran tabú y que hoy en día siguen considerándose chocantes. A mi modo de ver, Pasolini tenía una valentía y una capacidad de resistencia muy foucauldianas, y el hecho de que perciba en él puntos en común con uno de mis héroes, Michel Foucault, no hace más que aumentar mi estima por él. Los cuatro datos que sé sobre su vida me dan qué pensar: miembro del partido comunista de Ferrara, expulsado del mismo por homosexual, víctima pues de la homofobia, y asesinado en circumstancias nunca esclarecidas; preocupado por dar voz en su obra literaria y fílmica a los pobres, a los considerados deshechos sociales, hasta el punto de que, si la memoria de un programa que vi este verano en la RAI no me falla, a menudo sus películas eran protagonizadas por gente de la calle, no por actores.
Leo que Mamma Roma (1962), cuyo personaje principal es interpretado por la grandísima Anna Magnani y dedicada a Roberto Rossellini, es una suerte de respuesta a la película Roma, città aperta (1945) de este último director, y que trata sobre cómo había cambiado Italia en las dos primera décadas de la posguerra, es decir, desde la aparición del fim de Rossellini. Por lo que veo, la película se centra en la vida de una prostituta que intenta, sin éxito, dejar la calle y mejorar su vida y la de su hijo. Además, Mamma Roma parece reflejar la admiración que Pasolini sentía por el arte de corte cristiano. Así, hay una escena en la que recrea el cuadro de Mantegna "Cristo muerto":
Desde luego, la película promete y ya sé que revisitaré Pasolini, al menos, dos veces más. Me quedan pendientes los Escritos corsarios (1975), sobre cómo el discurso neocapitalista de los medios de comunicación condiciona la percepción social de los acontecimientos, y Accattone (1961), la particular visión de Pasolini sobre la vida en los suburbios de Roma; película en la que, por cierto, si mal no recuerdo, participó nuestra Monica como actriz de doblaje.
Queridos lectores/-as enamorados/-as, y, como no, queridos lectores/-as que no lo estáis en este momento:
Hoy es el día de San Valentín y la ocasión merece que hablemos de amor, ¿no os parece? Hemos visto a Monica Vitti interpretar muchas escenas amorosas, algunas de ellas dramáticas...
... y otras cómicas:
Pero, ¿qué piensa la verdadera Monica sobre el amor?
A petición de Laura Delli Colli, Monica define la palabra "amor" y escribe: "El amor es un acto de fe. En el amor también es bonito exagerar... hasta llegar a encontrar una harmonía y, a veces, una amistad." Ella siempre tan pasional y, añadiría, tan lúcida, porque el amor no siempre entraña harmonía, ni amistad. Y, yo me pregunto: ¿puede durar un amor sin amistad?
Años después, Maria Grazia Recanato le preguntaría a Monica: "Cuál es su idea del amor entre un hombre y una mujer?" Dejando de lado el heterosexismo de la pregunta que, a mí personalmente, me molesta profundamente, me gusta mucho cómo empieza a responder Monica. Dice: "Depende siempre de cómo es el hombre, de cómo es la mujer." Pues claro, ni que los hombres y las mujeres fuésemos hechos en serie, salidos todos y todas de un mismo molde. ¡Vaya chorrada de pregunta! En fin, a lo interesante... Monica sigue: "Se tiene que reinventar todo cada vez; lo importante es no perder la fantasía de los sentimientos", y es que amar es inventar, es crear, es descubrir lo bello en lo cotidiano.
Me gusta mucho este compendio de declaraciones de Monica sobre el amor que hizo la RAI porque, aunque contiene declaraciones tanto serias como jocosas, nos da una idea del lugar que ocupa el amor en su vida:
Ya habéis visto que Monica opina que siempre deberíamos estar enamorados. Yo estoy de acuerdo con ella, siempre deberíamos estarlo, no ya necesariamente de una persona, sino del amor y de la vida. Así que, con esta reflexión me despido por hoy y os deseo un muy feliz día de los enamorados, pero, sobre todo, os deseo que retengáis siempre la capacidad de enamoraros, en el sentido más amplio del término, sean cuales sean las circumstancias de vuestra vida.
Hoy comparto con vosotros este documental realizado por la RAI sobre Monica Vitti. Se llama "Mille e Una Monica" y es un trabajo espléndido que pretende dar una visión global de todas las facetas de Monica como artista, así como algunas pinceladas sobre su vida personal. Con el tiempo, iré profundizando en algunos de los aspectos sobre Monica que se apuntan en este vídeo; por de pronto, me parece un documento espléndido para hacerse una idea de la trayectoria de Monica.
Os confieso que la parte que a mí me ha gustado más es una entrevista en la que le piden a Monica que se defina a sí misma. (De hecho, estuve a punto de colgar ese segmento como "PERCEPCIONES DE MONICA (2): Monica describe a Monica" pero, como véis, al final he decidido colgar el documental entero porque es muy interesante). Bien, Monica responde que si ella supiera quién es en realidad Monica Vitti ya no tendría dudas, y que considera que la duda es necesaria para la vida.
Os dejo pues con este pensamiento de Monica que, al defender la necesidad de vivir sumida en la duda, se muestra, a mi modo de ver, perpetuamente abierta al cambio y a la evolución. ¡Sólo me queda desearos que disfrutéis de "Mille e Una Monica" tanto como lo he hecho yo misma !
Se veía venir que acabaría escribiendo una entrada sobre Alberto Moravia. De hecho, ya me he referido a su obra en este blog en un par de ocasiones: concretamente, a la relación intertextual que se puede establecer entre sus novelas y las películas de Michelangelo Antonioni.
Como ya creo haber mencionado anteriormente, descubrí a Moravia hará cosa de medio año y en este intervalo de tiempo he leído dos libros suyos que me han impresionado profundamente: el primero, me parece una lectura de aquellas que marcan un antes y un después en la vida de cualquier lector (o, al menos, de eso estoy segura, de esta lectora). Se trata de La Romana (1947), novela sobre una muchacha que, debido a una nefasta relación de dependencia con su madre (mujer amargada por su pobreza y, por consiguiente, extremadamente materialista), se ve abocada a la prostitución en la Italia de los años treinta, dominada por la intolerancia fascista y por un clasismo virulento.
El segundo, El tedio (1960), cuestiona los límites del "vacío existencial" de la burguesía italiana de la posguerra, centrándose en un joven adinerado que verá cómo su identidad de artista "alternativo", basada en el hastío que siente ante la vida acomodada, se desdibuja a manos de su joven amante, una muchacha cuya verdadera (y, a mi juicio, patológica) falta de empatía, la hace personificar el verdadero tedio de una vida completamente carente de "sentido y sensibilidad".
Me gustó mucho la introducción de Ana María Moix a esta última novela, en la edición de la editorial Debolsillo, y hacía días que tenía ganas de consignar aquí un fragmento de la misma. Me parece un texto didáctico, erudito y aclarador para el lector o lectora que, como yo, se aproxima a Moravia para subsanar una laguna cultural y que, por tanto, precisa de una explicación sobre el contexto histórico italiano y sobre el género de la novela realista en dicho país. De hecho, gracias a Moix, estoy leyendo a Elio Vittorini (¡magnífico!) y espero hacer lo propio con otros autores que ella también menciona como representativos de la novela italiana de posguerra. Creo que lo que ella tiene que decir es más interesante que cualquier comentario que pudiera hacer yo, así que os dejo con sus palabras. Moix explica:
"Por aquellos años [los sesenta], sus miles de lectores [de Moravia] sabían ya perfectamente qué les aguardaba - y qué buscaban - en un 'nuevo Moravia'. Sabían que el 'último Moravia' les enfrentaría al drama existencial del hombre contemporáneo, o, mejor dicho, a algunos de los componentes esenciales de ese drama. Y sabían que Moravia lo haría con la contundencia, la rotundidad, el lenguaje exacto, directo y crudo de la estética narrativa que, después de la Segunda Guerra Mundial, él mismo fundamentó: la estética de la novela realista italiana en cuyo cultivo brillaron nombres tan determinantes como los de Elsa Morante, Cesare Pavese, Natalia Ginsburg, Vasco Pratolini y Elio Vittorini. El desenmascaramiento de la doble moral de las clases pudientes, la vaciedad de los representantes de la burguesía acomodada que había apostado por el fascismo como arma de supervivencia, la inclusión de las teorías marxistas y freudianas como factores capaces de delinear la verdadera naturaleza de los avatares sociales y del carácter oculto de las pasiones humanas, el desvelamiento de la sexualidad como pulsión esencial del comportamiento humano y el tedio como sentimiento demoledor de la vida de los hombres son algunos de los elementos recurrentes en la obra narrativa de Alberto Moravia [...]."
Aún recuerdo cómo me fascinó reconocer en estas palabras los dos textos que ya había leído (siempre leo primero la novela y luego la introducción a la misma, porque, esta última suele explicar la trama - ¡no lo soporto! - y además me gusta llegar "virgen" a la lectura, no mediatizada por los comentarios de otro/-a). Me pareció especialmente interesante la conjunción de las teorías marxistas y freudianas en la obra de Moravia que apunta Moix, al ser éstas en cierto modo antitéticas: la primera, construccionista e historicista y, la segunda, de tendencia más esencialista y atemporal.
En suma, sólo quiero recomendaros que, si no lo habéis hecho ya, leáis a Alberto Moravia, escritor existencialista que se proclama heredero de Dostoyevski y que, al hablarnos del pasado, también nos habla del presente de una forma incisiva y, en ocasiones, demoledora.
Cierro esta entrada con un fragmento de La Romana que a mí me impactó y me emocionó (¡como os podéis imaginar lo tengo requetesubrayado!) y que creo resume muy bien la postura vital que emana de las novelas de este gran escritor. Dice así:
"A veces se me hacía extraño ser tan distinta en la soledad de cuando estaba acompañada, en mis relaciones conmigo misma y con los demás. Pero no me hacía la ilusión de estar sola y experimentar sentimientos tan violentos y desesperados. Creía que por lo menos una vez al día todos debían sentir la propia vida reducirse a una situación de angustia inefable y absurda. Sólo que a los demás ese conocimiento no les producía ningún efecto visible. Salían después de sus casas como yo, e iban de un lado para otro representando sinceramente sus papeles que no tenían nada de sinceros. Y ese pensamiento me confirmaba en la convicción de que todos los hombres, sin excepción, son dignos de compasión, aunque no sea más que porque viven."
Uno de los motivos que hacen que Monica Vitti me parezca fascinante es el hecho de que sea una persona con intereses, culta, sin ser (al menos a mí no me lo parece) nada vanidosa, ni elitista. Leo tanto en el libro de Laura Delli Colli, publicado en 1987, como en la entrevista que le realizó Maria Grazia Recanato en el año 2002, que a Monica le interesa mucho el arte, y sus declaraciones me estimulan a aprender. ¿Por qué? Porque, al margen de mencionar a diversos pintores que no conozco entre otros que sí me son familiares, describe su amor por la pintura de una forma sincera, emocional, que se escapa totalmente de esa vacía capa de conocimiento superficial con la que tantos y tantas se recubren hoy en día, por desgracia, y que yo he bautizado en mi diccionario personal como "estética de la cultura". Y es que ahora llego a otra de las causas principales de mi admiración por Monica Vitti: la percibo como una persona auténtica.
¿Cómo si no podría definir "cuadros" de la siguiente manera?: "Me gustan. Me gustan los futuristas, me gustan los diseños, los grabados. He pasado mucho tiempo de mi vida, especialmente de muy joven, en museos, en exposiciones. Me ayudan, me relajan. A veces, me conmovían tanto que me brotaban las lágrimas, como en la 'Cappella degli Scrovegni'..." Ahora, si tuviera a Monica delante, le preguntaría: "¿Qué es la 'Cappella degli Scrovegni'? ¿Dónde está? ¿Por qué te conmovió?" Como eso no lo puedo hacer, hago lo que sí está a mi alcance y busco información sobre esta capilla en la red. Aprendo que es una capilla que se haya en Padua y que incluye la colección de frescos más importante que se conserva de la etapa de madurez de Giotto. He aquí unas imágenes:
Por lo que se puede desprender de la lectura de la entrevista que le realizó Recanato a Monica, ésta colecciona cuadros y su primera adquisión fue "Compenetrazioni Iridescenti" de Giacomo Balla.
Monica le comenta a su entrevistadora: "Yo siempre me he emocionado profundamente delante de un cuadro, como ante una historia, una confesión, un enamoramiento. Los colores, las líneas, hacen que me palpite el corazón y me alejan de la cotidianidad. Morandi es el pintor al que más amo, porque su obra comportaba armonía y colores, emociones y fantasía, originalidad y sueño. Los colores de su estudio formaban parte del cuadro. Se te acercaban y se te quedaban en los ojos y en el corazón hasta que te ibas. [...]"
Giorgio Morandi, "Bodegón"
"[...] También conocí a De Chirico, era un pintor emocionante, moderno, lleno de color y de novedad. [...]"
Giorgio De Chirico, "El gran juego"
"[...] Pintores del pasado podría citar hasta el infinito, de Giotto a Tiepolo, de Piero della Francesca a Tiziano, de Picasso a Van Gogh."
Giovanni Battista Tiepolo, "Rinaldo y Armida"
Piero della Francesca, "Retrato de Federico Da Montefeltro"
Tiziano, "La Bacanal"
Pablo Picasso, "El guitarrista"
Vincent Van Gogh, "Autorretrato"
¡Qué placer deleitarnos la vista a través de los ojos de Monica, verdad! Para seguir haciéndolo, hoy os dejo con el principio de L'Avventura de Michelangelo Antonioni (1960). Veréis que hay una escena en la que Claudia, el personaje interpretado por Monica, entra en una galería y admira unos cuadros mientras sonríe irónicamente al escuchar unos comentarios algo despreciativos acerca del arte moderno. Imagino que a Monica le debió proporcionar mucho placer interpretar esa escena... ¡Hasta la próxima!
He pensado que, como a algunos de nosotros (ya véis que me incluyo) Monica Vitti nos queda algo lejana en el tiempo, sería buena idea ir recopilando información sobre las películas en las que Monica actuó. Las iré consignando aquí en el blog para que nos hagamos una idea del trabajo que realizó nuestra homenajeada en el cine, tanto en el género de la comedia, que ella tanto amaba, como en el del drama. Por desgracia, os informo de que no es posible acceder a demasiados films en los que Monica intervino. Bien, dejadme hacer una precisión: es posible si entiendes el italiano. Si, como es mi caso, precisas subtítulos al castellano, la cosa se complica. Por eso, no he visto muchas de las películas de las que iré hablando aquí y aprovecho la ocasión para reivindicar que se vuelvan a comercializar los films en los que actuó Monica Vitti en el mercado español. Los admiradores hispanoparlantes de Monica que pertenecemos a generaciones posteriores a la suya también deberíamos tener derecho a disfrutar de su trabajo.
Dicho esto, he decididio empezar esta nueva sección del blog sobre películas de Monica Vitti hablando de una de esas películas que no logro encontrar con los subtítulos que preciso. Se trata de Qui Comincia L'Avventura (Aquí empieza la aventura), dirigida por Carlo Di Palma en el año 1975. Imagino que a muchos os sonará el nombre del director, como me ocurrió a mí misma. De hecho, Di Palma trabajó principalmente como director de fotografía, cobrando quizás mayor celebridad internacional al colaborar en dicha capacidad en muchas películas del gran Woody Allen. Asimismo, había colaborado con Michelangelo Antonioni en diversos rodajes, motivo por el cual conoció a Monica, que fue su pareja durante un breve periodo de tiempo. (No así cuando rodaron esta película juntos; por aquel entonces, Monica ya vivía con Roberto Russo. Para más información sobre esta última relación, os remito a la entrada del día 26 de diciembre.)
Os preguntaréis, pues, porqué he escogido estrenar esta nueva sección del blog hablando de una película que no he visto. El motivo es muy sencillo: ¡es que me encantaría verla! Cuando oí en un reportaje de la RAI sobre Moncia que esta película, protagonizada por la propia Monica y su amiga Claudia Cardinale, se consideraba precursora de Thelma & Louise pensé: ¡Dios mío, y yo sin enterarme! Y es que, como ya se intuye en el cartel del film, aquí tenemos a una Monica que encarna a un personaje femenino que decide liberarse del rol de esposa sumisa y, ni corta ni perezosa, roba una moto y se echa a la carretera, rescatando en el proceso a otra mujer que, como ella, sufre la opresión de un orden social patriarcal y machista. El fragmento que podréis ver a continuación incluye hasta una caída de Monica en picado con moto incluida, cual Susan Sarandon en su descapotable cayendo por un precipicio, que hace mucha gracia:
Como veréis en la siguiente entrevista que se le realizó a Monica durante el rodaje del film, el hecho de que las protagonistas fueran dos mujeres, y de que la película perteneciera al género de "aventuras", se consideró algo inusitado en la época. Monica, que aparece en la segunda parte del vídeo después de la entrevista a Claudia Cardinale, habla sobre la dificultad de ser mujer, sobre la necesidad de que las mujeres tengan sueños propios que las ayuden a subsistir, y de la emoción que siente al poder encarnar un papel ajeno al tema del amor. De hecho, explica que cuando se dirigía a directores para proponerles proyectos diferentes, ellos le contestaban que los roles adecuados para ella como mujer, como actriz, eran, por definición, los de corte romántico. Por último, comentaros que me parece un alucine que el entrevistador le pregunte a Monica si existe la amistad entre mujeres, al igual que existe la amistad entre hombres. A veces, olvidamos que, lo que ahora damos por sentado, se cuestionó durante décadas. No me extraña que Monica hable de la dificultad de ser mujer y se mire al entrevistador con cara de hastío. ¡Qué paciencia, pobrecilla, qué tiempos!
PS: Si os apetece ver una fotografía divertida de Claudia Cardinale y Monica tomando algo en un bar, a lo guatequero, no olvidéis pasar por la página de facebook que complementa este blog. Allí, no tan sólo encontraréis las entradas del mismo, sino también material complementario sobre Monica Vitti y, como no, también sobre otros referentes inolvidables: Monica Vitti y otros referentes inolvidables
Me gusta mucho el cine clásico y, por eso, siempre que puedo intento mirar alguna. película de ésas que llamamos coloquialmente "antiguas". Las bibliotecas públicas contienen un amplio catálogo de films y se han convertido para mí en una mina inagotable de recursos que, últimamente, estoy explotando. Por desgracia, no dispongo de demasiado tiempo para solazarme con este tipo de films que, en mi experiencia, nunca te dejan indiferente: siempre dan que pensar y, en el peor de los casos, te proporcionan una experiencia estética transportadora, que te aleja del mundo tecnocrático e incesantemente veloz que habitamos.
Normalmente, aprovecho los ratos de plancha para mirar estos films, pero recientemente he decidido visionar, al menos una vez al mes, una de estas películas "como Dios manda", sentada en el sofá y sin mirar la arruga de la manga de turno y la pantalla del televisor a la vez. Las películas que mire así, como se merecen estas obras maestras del cine, las consignaré en este blog con el nombre de "Cine Forum." El primero de estos "Cine Forums" trató sobre El fantasma de la libertad de Luis Buñuel (ver entrada del día 19 de diciembre) y hoy os hablo de la película que espero ver la semana que viene: se trata de Belle de Jour (1967), del mismo director.
Os confieso que mi elección de películas es arbitraria. Me guío por mis predilecciones, por mis pasiones del momento. Durante muchos años vi muchísimo cine clásico norteamericano, pero últimamente me siento mucho más Europea y veo más cine inglés, italiano y francés. Como no sé de cine, y no he recibido ninguna formación al respecto, me considero totalmenta autodidacta en el campo cinematográfico. Eso me da mucha libertad de movimientos a la hora de escoger, ya que mis opciones no se ven influidas ni delimitadas por una instrucción formal, pero a veces echo de menos que, al acabarse la película, alguien me hable sobre los planos, o el contexto, o qué hace que esa película sea diferente, especial, innovadora. En general, intento subsanar estos vacíos yo misma buscando bibliografía, pero desde aquí reivindico que se debería enseñar cine en las escuelas, al igual que nos enseñan literatura o arte, por ejemplo. En mi opinión, es una verdadera lástima que, sobre todo la generación de jóvenes actual (perdonadme si generalizo), desconozca toda una serie de películas que forman una parte importante de nuestro sustrato cultural. Yo misma, como ya he dicho, echo de menos haber recibido formación al respecto.
Mi interés por Belle de Jour, película que, por supuesto, había oído mencionar hasta la saciedad pero que nunca me había llamado especialmente la atención, viene dado por un documental sobre Catherine Deneuve que vi hace unos meses y que me causó dos efectos inesperados: por una parte, cambió mi punto de vista sobre la actriz, a la que percibía como una persona fría y distante; en efecto, lo es, aparentemente, pero el documental también revelaba un mundo interior muy interesante, rico en matices psicológicos y emocionales que me fascinó; por otra parte, me despertó el interés por ver Belle de Jour, película que, según contaba la propia Deneuve en el documental que os menciono, le valió la reprobación de gran parte de la sociedad francesa. Por lo visto, incluso la insultaban por la calle. (Nunca he entendido porque la gente no distingue entre actores y personajes...).
Ahora que he indagado un poco más, buscando información sobre el film de cara al día que lo vea, entiendo un poco mejor lo valiente que fue Deneuve al aceptar protagonizar esta película: contar la historia de una ama de casa burguesa que se niega a tener sexo dentro del matrimonio pero que, a su vez, decide prostituirse durante el día, mientras su marido trabaja, me parece realmente atrevido para el año 1967. (Me atrevo a decir que seguiría siendo provocador hoy en día). Por lo visto, Belle de Jour se basa en una novela homónima de Joseph Kessel. El título del film, que es también el nombre de su protagonista, es un juego de palabras que remite a la expresión francesa "belle de nuit", que no es sino un sinónimo de prostituta. Leo que los efectos del deseo subversivo en personajes, a priori, bien posicionados socialmente, burgueses en su mayoría, es un tema recurrente en Buñuel. Parece ser que el director explora la consiguiente alienación de estos personajes que, como en el caso de Belle de Jour, se suelen crear un universo paralelo para poder subsistir. ¡Fascinante! Desde luego, Belle de Jour parece tener puntos en común con El fantasma de la libertad, donde los personajes o bien sufren por la represión de sus deseos más íntimos, o bien se entregan a ellos, siendo entonces incomprendidos y condenados a escoger entre la clandestinidad o la marginación.
Bien, os dejo con un fragmento de la película donde descubrimos porque el personaje principal adopta el nombre "Belle de Jour" en la casa de citas en la que trabaja. También me ha interesado ver que, en esta película, como en tantas otras películas y en tantos otros libros de la época de posguerra (definida de manera amplia, más o menos entre 1945 y 1970) se establece un vínculo directo entre lesbianismo y prostitución, al ser el discurso homófobo imperante sobre la sexualidad lésbica que ésta era el producto de un transtorno, que era una sexualidad excesiva, desatada, incontrolable. ¡Espero que os guste el clip!
Queridos lectores/-as: el tiempo vuela y, como véis, hoy se cumple un mes de la existencia de este blog. Os confieso que me siento muy feliz porque nunca se me había pasado ni por la más remota imaginación hacer un blog y, cuando lo empecé, no tenía mucha fe en que persistiera mucho en el empeño. Sin embargo, aquí sigo, y aquí sigue este homenaje a Monica Vitti. La verdad es que disfruto muchísimo escribiéndolo: ¡ojalá vosotros también disfrutéis leyéndolo!
Bien, está claro que la Sra. Vitti me inspira una gran admiración y me motiva extraordinariamente. Y, dejadme deciros que, para mi sorpresa, no sólo me ocurre a mí (y, por supuesto, no quiero dar a entender con ello que me considere única u originial por sentirme fascinada ante la figura de Monica Vitti, sino que como la descubrí hará poco menos de un año, desconocía su trayectoria y la magnitud de su popularidad). Como iba diciendo, también les sucede a muchos otros: por ejemplo, leí hace poco que es una de las actrices de cine clásico a la que más jóvenes le dedican blogs; y no hablemos de las muchas página de facebook que le rinden homenaje... Pero, no tratemos ese tema hoy. Tengo una entrada proyectada en la que quiero analizar el fenómeno "fan" y ése sí será el lugar idóneo para comentar dichas páginas detenidamente.
Para celebrar el primer cumplemes de este blog me parece más interesante hablar sobre la presencia de Monica Vitti en la cultura actual. Monica ha inspirado a diversos artistas a crear obras en torno a su persona o a su trabajo y ¿qué mejor manera de celebrar este aniversario que mostrándoos algunas de estas creaciones?:
1) Aquí tenéis al grupo musical italiano tecnopop Le Rose interpretando su canción "Monica Vitti":
Por supuesto, la fascinación que ejerce Monica sobrepasa las fronteras de su país natal:
2) Si clicáis sobre este enlace, os remitirá al espléndido poema de la ensayista y poeta canadiense Anne Carson sobre la encarnación de "lo sublime" que realizó, a su juicio, Monica Vitti en Il Deserto Rosso. El texto se publicó en el poemario Decreation (2005). Si os apetece, podéis escuchar a la mismísima Carson recitándolo:
Carson escribió sobre su poema lo siguiente: "En el poema, Monica Vitti nos ofrece una explicación de la película Il Deserto Rosso de Antonioni, film que ella protagonizó encarnando "lo sublime"." Según Carson, es evidente que, para preparar su personaje, Monica leyó la obra de Edmund Burke sobre "lo sublime" y, probablemente, también los escritos de Kant sobre el concepto de "totalidad".
3) Por último, la escritora australiana Anamaria Beligan firma esta colección de relatos cortos, titulada A Few More Minutes with Monica Vitti (Unos cuantos minutos más con Monica Vitti), en la que, al parecer, un joven emigrante de la Europa del Este se aferra a la figura de Monica Vitti como alivio imaginativo para sobrellevar el recuerdo de la cruda realidad del régimen comunista en el que le tocó crecer, así como para encarar la experiencia de empezar una nueva vida en Australia.
Me apetece despedirme hoy con este fotograma del film L'Avventura de Michelangelo Antonioni que, como véis, se eligió como imagen del Festival de Cannes de 2009 en homenaje a Monica Vitti. Me gusta que Monica esté de espaldas a nosotros, precediéndonos (en el tiempo y en el espacio), abriéndonos puertas. Me recuerda a aquella línea de la canción de Pet Shop Boys "Being Boring" que dice: "When you are young, you find inspiration in anyone who has ever gone and opened up a closing door" (Cuando eres joven, cualquier persona que ha abierto puertas que parecían cerrarse te inspira). Yo hacía años que había perdido la capacidad de sentirme tan inspirada, de admirar a alguien tan sanamente com admiro a Monica. En ese sentido, ella me ha abierto la puerta a reencontrarme con una suerte de entusiasmo que creí haber perdido. Así pues, desde aquí, con este blog, le brindo mi más sincero agradecimiento.
PS: Os adjunto el vídeo de la canción de Pet Shop Boys por si os apetece escucharla. La explicación sobre el sentido de la canción que se ofrece al principio del vídeo me parece un colofón perfecto a la entrada de hoy:
Amigos lectores, este fin de semana colgué en mi página de facebook que complementa este blog (a la cual os invito a todos/-as) una fotografía de Monica Vitti y Claudia Cardinale en la que Monica lucía unas gafas, a mi juicio, magníficas, que le sentaban divinamente. Os adunto el link de la misma para que podáis ver la imagen:
En fin, como habréis podido observar, las gafas de Monica dieron qué hablar. Por eso, se me ha ocurrido que podemos empezar la semana de forma festiva y os hago una consulta: ¿cómo os parece que está más guapa, o más atractiva, Monica? ¿Con (gafas) o sin? Os adjunto una serie de fotos para que podáis regalaros la vista y, como no, sopesar vuestra respuesta de forma ecuánime, como el tema merece:
Años 60:
Monica con:
Monica sin:
Años 70:
Monica con:
Monica sin:
Años 80:
Monica con:
Monica sin:
Años 90:
Monica con:
Monica sin:
Dejadme adelantaros que yo la encuentro más atractiva "con" en todas las décadas porque las gafas le dan, en mi opinión, un aspecto de mujer intelectual, con personalidad y, a su vez, algo frágil, que me encanta...
Quedo a la espera de vuestros comentarios, queridos lectores/-as. ¡Os deseo una feliz semana!
